Ярчайшие страницы французской музыки, в том числе с испанским колоритом представит 17 октября на Исторической сцене оркестр Большого театра. Дирижер – именитый Хесус Лопес-Кобос, испанец; солистка – великолепное сопрано Нора Амселлем, родом из Франции.
Хесус Лопес-Кобос – один из известнейших испанских музыкантов ХХ века. Ученик выдающихся мастеров – маэстро Ганса Сваровского и маэстро Франка Феррары, он дебютировал в 1969 году в венецианском театре Ла Фениче и ныне принадлежит к числу самых востребованных дирижеров своего поколения. В прошлом музыкальный руководитель Немецкой оперы в Берлине (1981-1990 гг.), Королевского театра/ Teatro Real в Мадриде (2003-2010 гг.), он работает со всеми крупнейшими театрами Европы и США. Его оперный репертуар насчитывает свыше восьмидесяти произведений самых разных национальных школ, эпох и стилей.
Прославился он и на ниве симфонического дирижирования. Лопес-Кобос занимал пост главного приглашенного дирижера Лондонского филармонического оркестра, в 1986-98 гг. возглавлял симфонический оркестр Цинциннати. Дирижер выступал с ведущими оркестрами североамериканского континента: Нью-Йорской и Лос-Анджелесской филармоний, симфоническими оркестрами Бостона, Чикаго, Питтсбурга и Монреаля, с Кливлендским и Филадельфийским оркестрами. В Европе испанский маэстро дирижировал Национальным оркестром Франции, оркестром Романской Швейцарии, Камерным оркестром Лозанны, оркестром Зальцбургского фестиваля, Роттердамским филармоническим оркестром и многими другими прославленными коллективами.
Первое отделение концерта оркестра Большого театра под управлением испанского дирижера будет отдано Гектору Берлиозу – этому «жаворонку величиной с орла» (определение Г. Гейне), «неистовому романтику» XIX века, смелому революционеру в области музыкально-выразительных средств и фантастическому мастеру оркестра.
Истоки замысла «драматической легенды» «Осуждение Фауста» восходят к 1829 г., когда находившийся под впечатлением от трагеди Гете Берлиоз написал «Восемь сцен из Фауста» (он даже дерзнул послать свою рукопись великому поэту, но друг Гете, известный музыкант Цельтер нещадно раскритиковал музыку). В 1840-е гг. композитор вернулся к своему раннему замыслу, создав масштабное сочинение для солистов, хора и оркестра, жанровое своеобразие которого допускает как концертное, так и театральное исполнение.
Три симфонических отрывка из «Осуждения Фауста» стали популярными еще при жизни Берлиоза – он сам исполнял их в своих концертах в Германии, Австрии и России. Яркий и колоритный «Венгерский марш» принадлежит к известнейшим оркестровым «бисам». Тема изящного фантастического «Балета сильфов» взята из «Восьми сцен»: повинуясь воле Мефистофеля, сильфы успокаивают мятежную душу Фауста, навевая любовные грезы; «Менуэт блуждающих огней» - причудливый, демонический танец, призванный обольстить Маргариту.
Также будет исполнена малоизвестная русской публике кантата «Смерть Клеопатры». Сочиненная в том же 1829 году, она стала уже третьей (и снова неудачной) попыткой молодого композитора получить Большую римскую премию, дававшую возможность в течение двух лет жить и совершенствовать свое мастерство в Италии.
Как и другим претендентам, ему предстояло положить на музыку текст фр анцузского поэта и драматурга Пьера-Анжа Вейяра де Буамартена. Запертый на десять дней в комнате (таково было правило конкурса), молодой композитор, боготворивший Шекспира и античных трагиков, вложил в «холодный» классицистский текст подлинный романтический пыл, написав захватывающую вокально-симфоническую поэму о любви и смерти. Жюри французской академии сочло кантату неисполнимой – и только в ХХ столетии эта музыка получила истинное признание.
«Клеопатра» познакомит нашу публику со знаменитой французской певицей Норой Амселлем: на сцене Большого театра она выступит впервые. Признанная исполнительница лирико-драматического французского и итальянского репертуара (среди ее коронных партий критики отмечают Микаэлу в «Кармен» и «Виолетту» в Травиате), Анселем участвует в оперных постановках крупнейших оперных домов мира (Метроподитен-опера, Ла Скала, Королевская опера Ковент-Гарден и других), сочетая безупречную вокальную технику с глубокой драматической трактовкой каждой роли.
Во втором отделении концерта прозвучат три «испанских» сочинения классика французской музыки ХХ века, представителя музыкального импрессионизма Мориса Равеля.
«Павана на смерть Инфанты» – одно из ранних произведений композитора, написанное еще в стенах Парижской консерватории (1899 г., одновременно с «Хабанерой», позже вошедшей в «Испанскую расподию»), где он учился в классе Габриэля Форе. Сам автор охарактеризовал ее как «воскрешение образа паваны, которую в стародавние времена могла танцевать юная принцесса испанского двора». Медленная печальная мелодия в сопровождении легкого, «убаюкивающего» аккомпанемента исполнена светлой грусти. «Павана» неизменно вызывала восхищение даже у враждебно настроенных к Равелю критиков. В 1910 г. Равель вернулся к своей скромной фортепианной пьесе, оркестровав ее для камерного состава оркестра.
«Испанская рапсодия», сочиненная в один год с одноактной комической оперой «Испанский час», ознаменовала наступление творческой зрелости композитора. Структура сочинения отчасти напоминает «Испанское каприччио» Римского-Корсакова: четыре части («Прелюдия к ночи», «Малагенья», «Хабанера», «Праздник») словно выхватывают из ночной темноты неуловимые, мимолетные образы, то причудливо-зыбкие, то ослепляющие пестротой красок. Музыка движется от туманных ночных теней к яркой кульминации уличного празднества. Через всю рапсодию проходит короткий мотив из четырех нот – своего рода образ ночного сновидения; его неожиданное возвращение в конце «Праздника» заставляет воспринимать всю пьесу как череду красочных импрессионистических грез.
Завершится концерт популярнейшим «Болеро» (1928 г.). Одно из последних сочинений Равеля, оно изначально было написано для танцевального номера Иды Рубинштейн. «Болеро» еще много лет было в репертуаре знаменитой балерины (в хореографии Брониславы Нижинской, затем Михаила Фокина); но триумфальный успех, который ждал - в 1930 г. - эту пьесу на концертной эстраде, доказал ее симфоническую «самодостаточность».
Сегодня трудно поверить, как сильно бурная реакция публики на эту музыку расходилась с мнением первых критиков, которые не увидели в новом произведении Равеля ничего, кроме «учебника» оркестровки. Применив «простейший» вид вариаций (тема повторяется абсолютно неизменно девятнадцать раз вместе с однотипной ритмической фигурой ударных) в сочетании с яркой танцевальной темой и колоритнейшей, постепенно «включающейся» оркестровой фактурой, Равель создал произведение, уже более 75 лет бьющее все слушательские рекорды в академической музыке.
/фото bolshoi.ru/
